19 octobre 2009
Escale 15 : le Mali
"MALI
Statuette Féminine Sénoufo. H:74cm, musée national 
L'histoire
du Musée National du Mali, comme celle de la plupart des musées
nationaux d'aujourd'hui dans les pays anciennement colonisés par la
France, remonte à l'époque coloniale. Elle est intimement liée à celle
de l'Institut français d'Afrique Noire (IFAN).
Créé en 1936 à Dakar l'IFAN avait pour vocation le développement de la recherche dans les territoires colonisés.
Les
pièces constituant les collections de ce Musée sont pour la plupart des
objets archéologiques issus des fouilles de Szumowski. Sur 2512 pièces
recensées, on compte 2350 objets archéologiques et 162 objets
ethnographiques.
Cette statuette aux formes voluptueuses renvoie
au modèle assez courant dans la statuaire africaine des figures de
maternité ou de fécondité.
à partir de l'art
africain nous vous demandons de vous aussi mettre à l'honneur la femme,
la feminité, les courbes, les formes, vous ou une femme qui compte pour
vous... parait qu'on est jamais mieux servit que par soit meme (dixit
zabou) alors au travail ce challenge est votre challenge
1)
c'est à dire que vous ne devez pas mettre une femme à l'honneur par
rapport à un portrait classique. c'est vraiment les formes, la
feminité...qui doivent etre mise à l'honneur
2) votre fille c'est non, sauf si elle est elle-même déjà une femme et que la photo d'elle est en femme
Ma page classée X ... lol
18 octobre 2009
Escale 14 : Afrique
AFRIQUE
EGYPTE
La stèle de la " Chienne " Basse époque, LE CAIRE, Musée Egyptien
Le musée égyptien du Caire est situé en plein centre du Caire,
place Tahrir; c’est l’un des plus grands musées du monde entièrement
consacré à l’antiquité égyptienne. Construit sur les plans de
l'architecte français Marcel Dourgnon et inauguré en 1902, au cœur
duCaire moderne, le musée égyptien aura reçu plus de cent millions de
visiteurs au cours du XXe siècle.
Dans cette stèle, la polychromie
qui est bien conservée aussi bien dans l'écriture que dans les
figurations nous donne un exemple d'un travail bien soigné reflétant un
souci de clarté.
S'inspirer de cette stèle pour la mise en page.
14 octobre 2009
Escale 13 : Gauguin
Paul Gauguin, Femmes de Tahiti,
Inspiré
par les écrits de Pierre Loti, et après sa brève aventure artistique
avec Van Gogh, Paul Gauguin arrive à Tahiti en 1891, ayant obtenu une
mission officielle du
gouvernement français. Il est venu à Tahiti pour tenter d’accorder son cheminement intérieur et son œuvre : « là je pourrai, au silence des belles nuits tropicales,
écouter la douce musique murmurant les mouvements de mon cœur »
Gauguin
est l'un de ces personnages singulier qui se révélera comme un des plus
grands artistes, avec sa recherche effrénée pour résoudre la crise de «
la fin de
l'impressionnisme ». C'est un marginal qui confond réalité
et littérature, mythe et histoire et qui fuit ses semblables pour mieux
retrouver les sources
de l'art primitif et du sacré parmi les
maohis. Son rôle ambigu le voue à la légende, qu'il entretiendra
d'ailleurs de son vivant, et qui se fera encore
plus fabuleuse après sa mort.
Son
premier séjour de deux ans (de 1891 à 1893) à Tahiti sera consacré à la
recherche qui lui permettra plus tard de développer une nouvelle
peinture basée sur la vie
quotidienne à Tahiti et sur la mythologie polynésienne. [b]Installé dans un village où les habitants lui servent de modèles, il s'évertue à rendre leur expression mélancolique et rêveuse, tout en essayant de restituer la vie simple maori.
Lors de son retour à Paris, ses œuvres suscitèrent parmi les jeunes peintres beaucoup d’intérêt, pour leur originalité, le caractère décoratif de la composition,
les couleurs vives choisies afin de rendre des états d’âme plutôt que
la réalité. Parmi ses anciens amis, certains tel Degas aiment la
peinture de Gauguin, d’autres tels Monet et Renoir la trouvèrent
mauvaise. Pissarro, quant
à lui, considéra qu’il n’était pas digne
d’un homme civilisé de piller ainsi les mythes de l’Océanie qu’il
considérait comme sauvages.
En 1895, Paul Gauguin revient à Tahiti.
Il s’installe à Punaauia avec Pau’ura, une jeune fille de 14 ans, mais
ne retrouve pas les jours heureux de Mataiea. Malade, hospitalisé à
Vaiami, il pense au suicide, mais cependant c’est à cette époque que
ses peintures sont le plus empreintes de sérénité.
Gauguin
est un précurseur, il ouvre la voie à l’art moderne, notamment au
fauvisme et au cubisme, par le dépaysement, par la forme et la violence
de la couleur. Tout
en reconnaissant qu’il devait à
Pissarro son initiation à l’art, il s’éloigne des apports
impressionnistes, abandonnant l’exactitude de la représentation, il ne
reproduit pas, il suggère.
A l'instar du
tableau ci-dessus, vous me ferez une belle page ensoleillée. (Je veux
avoir chaud et envie de vacances en voyant vos pages !)
précisions :
le
soleil hivernal a beau être magnifique, il ne m'évoque pas une
sensation de chaleur intense. vous l'aurez compris, ce sera refusé
tout format sera accepté (petit, grand, digi, classique, carte, TOUT quoi)
Ma page qui correspond aussi au challenge sketch semaine 41 proposé par TSR..
12 octobre 2009
Escales 10 et 12 + page BXL
Escale 12 : inter-équipe !
Jackson Pollock
Jackson Pollock est né à Cody aux États-Unis en 1912.
En
1923, Jackson, âgé alors de onze ans, visite une réserve d'Indiens ; il
y découvre les extraordinaires motifs abstraits de l'art dit « Art
primitif » des Indiens d'Amérique.
Durant l'été 1927, il montre les
premiers signes d'alcoolisme, l'art devient alors pour lui une décharge
d'émotions, dessiner lui permet d'exprimer son univers intérieur, de
libérer ses angoisses et sa rage sur le papier. En septembre 1928, il
s'inscrit à l'école des arts appliqués mais il en est renvoyé pour
avoir critiqué l'enseignement qui y est dispensé dans un journal
étudiant. Il obtient tout de même l'autorisation l'année suivante d'y
suivre les cours de modelage et de modèle vivant.
En juin 1930 il
est emmené par un de ses frères ainés, Charles au Pomona College en
Californie pour y voir des fresques peintes par Orozco. En septembre de
la même année, il s'installe avec ses frères Franck et Charles à New
York. Il s'inscrit à la Art Students League of New York pour suivre des
cours du soir donnés par le peintre Thomas Hart Benton. Il rencontre
José Clemente Orozco, le peintre dont il a découvert les fresques en
Californie, qui travaille avec Benton à la réalisation de fresques.
À
partir de 1935, Pollock bénéficie du soutien aux artistes lancé dans le
cadre du New Deal de Franklin Roosevelt. Le Federal Art Project de la
WPA rétribue des artistes qui effectuent des travaux de décoration
d'édifices publics ou qui enseignent. D'abord admis dans la section «
peinture murale », Pollock est exclu pour absentéisme en 1938. Il est
réintégré dans la section « peinture de chevet » et il en bénéficie
jusqu'en 1942.
Pollock se passionne pour l'art primitif.
En 1948,
Pollock, William Baziotes, Robert Motherwell, Barnett Newman, Mark
Rothko et Clyfford Still fondent l'école Subjects of the artists.
Jackson
Pollock a produit plus de 700 œuvres. Sur certains de ses tableaux,
Pollock a laissé couler la peinture sur les toiles, à plat, qu'il
déplaçait en même temps (dripping). Il s'intéressa également à l'art
amérindien.
Vous devez faire un fond de page à la mode de Pollock : des coulures, des gouttes, choix de couleurs libre.... Digi accepté.
Une première pour moi..mais..j'ai adoré !!!
Page faite lors de la soirée scrap avec ma cousine Milie à Bruxelles :
SAN FRANSISCO
Georges SEURAT "La Tour Eiffel", The Fine Arts Museums of San Francisco
Georges
SEURAT 1859-1891 se rend souvent avec Signac sur l'Ile de la Grande
Jatte à Asnières où il multiplie les études pour une grande composition
pour laquelle il souhaite appliquer pour la première fois avec une
rigueur scientifique son principe de la division des couleurs en petits
points se mélangeant optiquement.
Sa réalisation lui demandera deux
années d'intense travail et aboutira à son plus grand chef-d'oeuvre "Un
dimanche après-midi à la Grande Jatte" 1884-86, qui sera la véritable
oeuvre fondatrice du "Pointillisme".
Seurat a 25 ans et réalise là
un tableau d'où se dégage une sensation de maîtrise totale, où tout est
soigneusement ordonnancé, et où, à nouveau, le temps semble arrêté pour
un moment de beauté pure, de paix et de silence. Avec ce tableau Seurat
nous entraîne dans son univers de dignité quasi irréelle magnifié par
la luminosité résultant de la division des tons. Un moment où l'art
transcende le quotidien!
faire un embellissement avec le procédé du pointillisme
Je n'ai pu faire qu'une carte..manque de temps après une sortie ciné !
03 octobre 2009
Escale n° 8 : Brésil !
Beatriz Milhazes (Brésil) :
Née
à Rio de Janeiro, Beatriz Milhazes a émergé sur la scène artistique
brésilienne dans les années 1980. Exposée dans de nombreuses galeries
et biennales internationales,
son oeuvre est aujourd’hui présente dans les collections des plus grands musées du monde.
Les toiles monumentales de Beatriz Milhazes se caractérisent d'abord par leur exubérance chromatique.
Composées
d'entrelacs de formes géométriques, cercles, rayures, lignes, elles
ressemblent aux images hypnotiques qui apparaissent dans les
kaléidoscopes, mais renvoient aussi à la luxuriance des paysages du Brésil, son pays natal.
Les
oeuvres de l'artiste, née en 1960 à Rio de Janeiro, se trouvent dans
les collections de plusieurs grands musées, comme, à New York, le Museum
of Modern Art, le Guggenheim et le Metropolitan.
O paraiso
Comme
Beatriz Milhazes, faites une page avec plein de fleurs faites avec vos
propres mimines, tout aussi originales et belles les unes que les
autres ! Laissez libre cours à
votre imagination !
Restrictions :
- toutes
les fleurs utilisées doivent être fabriquées par vous (ou reçues lors
d'un swap mais faites mains également), dans la matière de votre choix
(papiers, ruban,
feutrine, transparent ou multi-matière...)
- les
fleurs « tout-fait-main » (rien d'acheté) seront acceptées (en papier,
3D, dessin fait main, etc.) même très simple (voir HDP p58)
- une
fleur type prima toute seule atérée avec de la peinture, de l'encre ou
des paillettes n'est pas acceptée. 2 fleurs type prima collées l’une
sur l’autre sera aussi refusée. Si
vous choisissez des fleurs type prima, il faudra un vrai travail de composition
- Il
faut un minimum de 3 grandes fleurs (7cm et +), ou 5 fleurs de taille
moyenne (entre 5 et 7cm) ou 7 petites fleurs (moins de 5cm).
Bon si vous voulez faire des combos de tailles, me consulter ! (par ex 1 GF+3 FM ou 1 GF + 5PF ou 3 MF + 5 PF)
- Tous les formats de scrap traditionnel & carterie sont acceptés
- le scrap digital est refusé mais le scrap hybride bien évidemment accepté (bah vi, les fleurs doivent être faites main).
Précisions : une page peut être tout en digital, sauf les fleurs
02 octobre 2009
7ème Escale : L'Inde !
ASIE
INDE
Musée New Delhi Sulabh International
A
New Delhi, le musée propose une visite ludique et étonnante dans le
monde des toilettes. Toute l’histoire des sanitaires dans le monde est
retracée grâce à des archives, des témoignages et des modèles de
toilettes . Le but de l’opération : sensibiliser la population à
l'hygiène.
Le musée Sulabh fait de tous les visiteurs des experts...
en matière de toilettes. Ouvert depuis 1970, il revient sur l'histoire
des sanitaires et leurs différents modèles, grâce à des explications
pédagogiques et une collection de WC venant du monde entier.
Donc... le sujet en lui même : on a tous une photo qui traine sur l'apprentissage de la propreté de nos enfants? ou une
photo
de notre Dh en train de se soulager en pleine nature? Il ne faut plus
avoir peur d'en faire à notre tour une oeuvre d'art et de l'exposer de
la même façon que ces toilettes sont exposées et sont considérées comme
des oeuvres d'art... Si vous n'avez pas de photo même, une page
racontant une anecdote "pipi" fera bien sûr amplement l'affaire !!!
Pour les filles qui se lanceraient dans le digi pour ce challenge, obligatoirement une photo de toilettes...
page avec litière du chat acceptée
déco toilettes acceptée à condition qu'il y ait un journaling presentant le coin
page sans photo acceptée
celui ou celle qui fait pipi peut etre une statue, un animal ou un humain (pas d'arrosoir, pas de nuage...)
Sympa, non?!!!
Voici ma page :
30 septembre 2009
Escale numéro 6 : La Grèce Antique
Bon..ma page "ticket" n'a pas été accepté puisqu'il ne fallait pas mettre ni ticket de train, ni avion..tant pis..
Voici le nouveau challenge :
Peinture et céramique, Musée d'Athène.
Vase grec à figure noire.
Les peintures qui recouvraient la
statuaire, les temples, les murs et portiques ont bien souvent été
perdues seules les céramiques demeurent. Les céramiques peintes sont
une constante de l’art grec depuis l’Age du Bronze et peu de
civilisations atteignirent un tel niveau de perfection.
Dans la Grèce antique, les vases sont
fabriqués en très grand nombre. C’était une céramique usuelle (vases,
coupes, cruches), il est très rare de trouver des objets non
fonctionnels, et par conséquent la décoration de ces objets relève du
pur plaisir esthétique. Même si beaucoup de gens n’avaient pas les
moyens d’acquérir de belles céramiques peintes, la production de masse
était de haute qualité.
Vers la fin du VIIe siècle apparaît la technique de la « figure noire » : la peinture noire est utilisée sur un fond de terre qui passé au feu devenait orange, voire jaune ou rouge. Puis au VIe siècle, le procédé s’inverse avec la « figure rouge » :
un vernis noir recouvre le vase sur lequel le dessin peint en rouge se
détache. En moins de vingt ans, les céramiques à figure rouge
éclipsèrent totalement leurs aînées. Il existe partout des ateliers et
chaque région développe un style qui lui est propre : il y a des vases
attiques, corinthiens, apuliens... Même si toutes les cités étaient en
mesure de produire de la céramique bon marché, seules Corinthe et Athènes parvinrent à produire des objets exceptionnels. Presque toujours
décorés, ces vases sont de véritables œuvres d’art. La décoration
emprunte ses thèmes à la mythologie (dieux, héros), à la vie
quotidienne de la cité (guerre, sports, banquets, sacrifices, scènes
érotiques) mais jamais à la vie politique. Certains ateliers ou
peintres nous sont connus par leur signature.
faire une page où apparait une silhouette noire et une frise d'inspiration grecque.
frise d'animal et d'humain, OK, mais reproduite sur papier noir, pas sur photo !
la frise doit faire au moins 20 cm !
la frise doit quand meme faire 20 cm d'un seul
tenant, sinon, ben heu.... ce n'est plus une frise.. en revanche, vous
pouvez apres en mettre plusieurs bouts, mais un d'au moins 20 cm.
On découpe a la main, avec les dents, avec des machines, des perfos...
tout ce que vous voulez... meme pas forcément besoin de découper
quoique ce soit ! vous pouvez imprimer et coller tel quel !
28 septembre 2009
CONTROLE DES TICKETS !
Bon, j'ai loupé l'escale 5, faute de temps..mais...voici le challenge 6... le contrôle des tickets :
Voilà 15 jours que nous voyageons toutes
ensemble de musée en musée et personne n'a contrôlé que vous aviez bien
toutes vos tickets !!!
donc pour pouvoir reprendre l'avion dimanche soir, il faut impérativement que chaque équipe réalise au moins 1 page comportant un ticket dessus (bien sûr si vous en faites 3 par équipe c'est encore mieux)
Je ne réalise pas mon album par ordre chronologique..c'est pourquoi j'ai scrappé la dernière page mais..il m'en reste des tonnes à faire encore ! lol
24 septembre 2009
4 ème ESCALE...
Et voici la 4ème..
PAYS BAS
1. JOHANNES VERMEER, “La jeune Fille à la perle » Musée Mauritshuis, 
La Jeune Fille à la perle ou la Jeune Fille au turban est un de Johannes Vermeer peint vers 1665. On l'appelle aussi la « Joconde du Nord ».
Vermeer
a travaillé avec des éléments chromatiques simples ;quelques glacis du
même pigment expriment les ombres. Le turban, mélange d'outremer et de
blanc, est surmonté d'un tissu jaune éclatant ; la veste modelée avec
un ocre plus clair fait ressortir le blanc du col qui se reflète dans
la perle. L'art de la carnation tient dans un glacis mince, de couleur
chair, sur un sous-modelage transparent.
Réaliser
une page avec une seule grande photo qui pourra être être un portrait
ou un endroit mais obligatoirement en FORMAT PORTRAIT
. La photo devra faire au moins 1 / 4 de la page (donc 13 x 17 min pour une page 30 x 30). tous les formats de pages sont acceptés y compris le digiscrap
Ma page :
Bon...la photo de ma page est toute sombre...impossible de faire mieux à minuit hier soir !!!
21 septembre 2009
3ème escale
L’avant-garde russe : Dans les premières années du XXe siècle, les liens entre artistes de Russie et du reste de l'Europe, notamment de Paris, sont nombreux.
Les premiers sont marqués par les couleurs du fauvisme ou le primitivisme de Paul Gauguin, tout en développant un art figuratif original, qui
reprend les figures de l'imagerie populaire. A partir des années 1910 l'art abstrait se développe en Russie. Dès les débuts du cubisme, des artistes russes en reprennent la
fragmentation des formes, en gardant des éléments et en introduisant de nouveaux ("Ouvrier-aviateur" d'Alexei Morgounov, 1913). Ils y ajoutent bientôt les effets dynamiques
du futurisme
italien, créant des formes géométriques colorées en mouvement (Ivan
Koudriachov, Ivan Klioune, Gustave Kloutsis, Lioubov Popova...).
Ivan Koudriachov
Construction d’un mouvement rectiligne, 1925
Huile sur toile, 53,5 x 69 cm
The State Tretyakov Gallery a Moscou
Servez vous de cette toile comme base de combo de couleurs (3 minis)
J'en ai fait une double page...toujours pour mon album de Djerba
